Rankings

Top 10: Lo mejor de 2016 (Enero-Junio)

A punto de llegar al ecuador del año cinematográfico, es momento de pasar revista a lo más destacado de la temporada. Estos primeros seis meses han estado marcados, como refleja el ranking final, por dos tendencias diferentes: por un lado, las cintas (estadounidenses en su mayoría) que han protagonizado la temporada de premios; y por otro, las películas (de nacionalidades muy diversas) presentadas en festivales y que llegan con meses de retraso a España. ¿Cuáles son, de todos ellos, los diez mejores films hasta la fecha? La lista, aquí:

10. Desde allá, de Lorenzo Vigas ( Venezuela Venezuela):
Con el León de Oro del Festival de Venecia bajo el brazo, la cinta venezolana Desde allá se ha estrenado este mes de junio en España, tras su exitoso paso por el Festival de San Sebastián el pasado año. Con un estilo realista fuertemente influido por los hermanos Dardenne, el cineasta Lorenzo Vigas construye un contundente largometraje que aborda la relación entre Armando (50 años) y Elder (18), dos caraqueños a los que las circunstancias de sus vidas acaban uniendo. La eficacia con la que el director sabe trazar el relato nos imbuye como espectadores en la tensión y la incertidumbre del film, y nos plantea interrogantes que debemos desentrañar: ¿qué vinculo une a sus protagonistas? ¿qué motiva sus distintas actitudes?. Increíble que una ópera prima sea tan sólida, compleja y emocionante.

Para: los amantes del cine latinoamericano.

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9. Cemetery of Splendour, de Apichatpong Weerasethakul ( Tailandia Tailandia):
De todas las “rarezas” que contiene este top, sin duda la más sorprendente (para mí el primero) es la nueva cinta del tailandés Apichatpong Weerasethakul. Aquí donde lo veis, sin embargo, este cineasta de nombre impronunciable cuenta con infinidad de premios internacionales, ha ganado en el mejor festival del mundo (Palma de Oro en Cannes, en 2009) y es archiconocido en los circuitos de autor. Nunca he sido muy devoto de su cine pausado y espiritual, pero Cemetery of Spledour me ha hecho tragarme muchos prejuicios: el director ha articulado una cinta hipnótica y fascinante sobre los sueños, una de esas experiencias fílmicas tan apabullantes que son difíciles de verbalizar. En ella, se funden muchos elementos muy dispares: lo onírico, la captación de la armonía natural, la tradición ancestral tailandesa, el humor… todos ellos en un conjunto coherente que se va desentrañando de forma pausada pero cautivadora. Su belleza formal atrapa, y su hondura temática convence si tienes el interés y la predisposición necesarios. Algunos críticos la han despreciado por ser la más accesible de su trayectoria, pero quizás por eso a otros nos resulta la más atractiva.

Para: los que busquen descubrir algo único.

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8. El renacido, de Alejandro González Iñárritu (  Estados Unidos):
Alejandro González Iñárritu volvió, y ganó (por segundo año consecutivo) el Óscar al mejor director. Sin embargo, y pese a las muchas lecturas que de ella se han hecho desde la crítica, El renacido supone un cambio de registro en la trayectoria del cineasta. Hasta ahora sus largometrajes, con mayor o menor éxito, eran aproximaciones a problemas de la sociedad contemporánea, fuese  la violencia en su país natal (Amores perros), la pérdida y la superación de los traumas (21 gramos), la desigualdad global (Babel), la enfermedad y la familia (Biutiful) o los deseos de trascender  en el mundo del arte (Birdman). En cambio, con su nueva cinta, Iñárritu cambia de marco temporal y se sumerge en la colonización del terreno salvaje americano en el siglo XIX. Alejado del contexto actual, el director articula la que es, paradójicamente, su película más sencilla. Y lo es porque, detrás de la brillantez visual que vuelve a demostrar (con la inestimable ayuda del “Chivo” Lubezki), y de lo ambicioso del proyecto técnica y logísticamente, los planteamientos temáticos son bastante claros: un relato de la lucha/convivencia del hombre con la naturaleza. Su éxito en España deja poco más que decir: muchos ya la han visto, por lo que es redundante volverla a recomendar.

Para: los fans de Leonardo DiCaprio.

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7. Julieta, de Pedro Almodóvar (  España):
Tras su paso por la Sección Oficial del Festival de Cannes (sin premio pero con buen recibimiento), y a pesar de su escaso éxito en la taquilla española, Almodóvar tenía que estar en esta lista. Julieta es su último largometraje, y supone un cambio respecto a dramas anteriores del director. Su cine, fuertemente ligado al melodrama y las pasiones desbordadas, se torna en esta ocasión más reflexivo, más comedido, más cerebral. En cierto modo, habita un espacio distinto: no el del durante, el de las emociones y el patetismo, sino el del después. ¿Qué sucede cuando se acaban las lágrimas, pero quedan el dolor y la culpa? El objetivo del director no es así tanto emocionar con la historia de Julieta como reflexionar acerca de lo que ha sucedido, explorar el porqué de un personaje complejísimo.  Esto es, en definitiva, un cambio drástico en el punto de vista, que algunos incluso han llegado a identificar con Bergman y sus cuestionamientos existenciales. En todo caso, es el regreso de Almodóvar a su mejor nivel.

Para: los que todavía creen que en España no se hace buen cine.

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6. Nuestra hermana pequeña, de Hirokazu Koreeda ( Japón Japón):
La segunda (pero no última) entrada del cine asiático en este ranking la protagoniza uno de mis directores preferidos: Hirokazu Koreeda. Los temas centrales de su obra (la infancia, la bondad, la familia) reformulados desde la sutileza y la emoción que lo caracterizan y lo convierten en uno de los grandes cineastas contemporáneos. El japonés se encuentra en un estado de forma envidiable, y firma con Nuestra pequeña hermana un nuevo referente en su filmografía. Esta historia sobre las relaciones familiares de cuatro hermanas que viven juntas trasciende la cultura nipona, pese a estar fuertemente arraigada en su tradición, y se vuelve universal. ¿Por qué? Porque la delicadeza, la ternura y la belleza con la que se nos narra no obedecen a fronteras ni a países. Un logro a la altura de muy pocos. Cuando un cineasta se encuentra en la cima de su carrera, no queda sino arrodillarse y darle las gracias por la cantidad de emociones que nos regala.

Para: los que busquen ternura y sensibilidad.

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5. Los odiosos ocho, de Quentin Tarantino ( Estados Unidos Estados Unidos):
La vuelta al western del amigo Quentin Tarantino tras la (por decirlo de forma sutil) decepcionante Django desencadenado, ha sido una de las grandes sorpresas de la primera parte del año. Contra todo pronóstico, Los odiosos ocho nos ha devuelto a un Tarantino en plena forma, excesivo como de costumbre pero con un retorno al ritmo, la garra y el encanto que le dieron a conocer y que, al menos un servidor, no encontró en los eternos 165 minutos de Django. Que sí, que este nuevo largometraje no se queda corto en cuanto a duración (otras casi tres horas), pero cuenta con un guión mucho más sólido, un mensaje histórico mejor construido y, en general, una mayor altura cinematográfica, aunque ni la crítica ni los premios la hayan sabido apreciar. A mi juicio, Los odiosos ocho tiene lo que tiene que tener: diálogos inspirados, sangre y sorpresas  para devolvernos la confianza en uno de los grandes cineastas estadounidenses de la actualidad.

Para: los fans desencantados de Tarantino.

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4. Carol, de Todd Haynes ( Reino Unido Reino Unido):
La cinta más injustamente ignorada de los pasados premios Oscars se puede consolar con este más que meritorio cuarto puesto en el ranking. El cineasta estadounidense Todd Haynes, tras ocho años de silencio, ha vuelto a la primera plana del cine mundial con Carol, adaptación de la novela homónima de Patricia Highsmith que cuenta la historia de amor entre dos mujeres en la América de los años 50. Delicada, sutil, elegante, precisa… los adjetivos se agotan ante una cinta tan compleja, en la que cada gesto, cada plano y cada mirada están llenos de deseo y sugerencia. Para ello es vital, en primer lugar, el trabajo de sus dos portentosas actrices protagonistas, Rooney Mara y Cate Blanchett, que saben envolver de misterio de sus personajes. Y por supuesto es también fundamental la labor de Haynes, un cineasta que a veces puede resultar algo frío, pero que cuida y explota al máximo cada una de sus decisiones en el film. Carol no es, ni debería venderse como, un derroche de pasión que emocionaría hasta al mismísimo Spielberg; al contrario, es una cinta que con la sutileza por bandera es capaz de llegar a lo más hondo del espectador. Un must-see del año.

Para: los que busquen personajes de verdad.

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3. Spotlight, de Thomas McCarthy ( Estados Unidos Estados Unidos):
La gran ganadora de la pasada edición de los Oscars ocupa la tercera posición del ranking. Se ha tendido a focalizar el interés hacia su temática, los abusos sexuales a menores cometidos por curas católicos y sistemáticamente ocultados por la Iglesia. Y si bien el qué, es decir, lo que cuenta y pretende trasmitir, la convierten en una película importante y necesaria; el cómo en este caso resulta incluso más imprescindible. La genialidad de la cinta está en su concepción narrativa, en cómo se cuenta la historia y se nos involucra como espectadores. McCarthy construye un absorbente drama criminal que atrapa desde el minuto uno, una de esas escasísimas películas cuyo poder hipnótico no está en su preciosismo estético ni en sus deseos de trascendencia, sino en algo mucho más efectivo: una historia contada con ritmo, intensidad e inteligencia.

Para: todos y cada uno de nosotros, sin excepción.

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2. El hijo de Saúl, de László Nemes ( Hungría Hungría):
Puesto a reivindicar una de esas películas que, pese a un discreto paso por taquilla, fascinan a (casi) todo el que la ha visto, me atrevo a recomendar El hijo de Saúl y otorgarle así el segundo puesto de este top. Buena parte de las opiniones sobre ella repiten una y otra vez la misma idea: que la cinta logra que vivas y sientas lo que supuso el Holocausto desde dentro. Me veo en la obligación de repetir una vez más el mismo argumento, porque es la mejor manera de describir la cinta del debutante húngaro László Nemes. La apabullante ópera prima del director te sumerge en la angustia de un campo de concentración a través de una apuesta visual arriesgadísima: que la cámara siga constantemente al personaje protagonista, y que sean el rostro de éste junto al fuera de campo los elementos que lleven el peso narrativo. Así, el horror del genocidio judío es incluso más doloroso por lo que no se ve pero se intuye, se insinúa o se presiente. Una gran película que estará sin duda entre lo mejor del año.

Para: los interesados en el Holocausto y la IIGM.

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1. Más allá de las montañas, de Jia Zhangke ( China China):
Maestro a la hora de retratar la transformada sociedad china del siglo XXI, el director chino Jia Zhangke vuelve a acercarnos la realidad de su país a través de una preciosa historia en la que el amor, el paso del tiempo, y el conflicto generacional y cultural de la china contemporánea se funden en 131 minutos de puro arte cinematográfico. La película se abre a dos niveles de significación complementarios pero diferenciados: el individual y el social. De este modo, a la vez que nos involucramos con los conflictos humanos de los protagonistas (el amor, la frustración, la vejez), el devenir de sus vidas emerge como un testimonio de excepción de la evolución de la sociedad china en los últimos 20 años.  Más allá de las montañas se alza así como muestra del poderío visual y narrativo de un director gigante. Un talento capaz de que cada uno de los tres actos del film funcione por separado, y al mismo tiempo, se complemente con los dos restantes. De maravillar con encuadres impactantes y emocionar sin afectación ni dramatismo. De demostrar que el cine asiático tiene muchísimo que decir en el panorama cinematográfico actual. Un gran Jia Zhangke, que se reivindica una vez más como uno de los cineastas imprescindibles del presente del celuloide mundial.

Para: los que busquen un cine realista y honesto.

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