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Top 20: Lo mejor de 2015 (II)

PARTE II | El año llega a su fin, y empiezan a proliferar las diversas listas con lo mejor que ha dado el cine en este 2015. Apurando hasta los últimos días para poder ver el máximo posible de títulos (más de 100), el blog ha elegido las 20 mejores películas que han sido estrenadas en España, bien en salas comerciales o plataformas on-line, entre el 1 de enero y el 31 de diciembre de 2015. Este criterio deja fuera todas aquellas películas cuyo año de producción es el 2015, pero no han tenido todavía su estreno comercial en España pese a haberse proyectado en festivales. En cualquier caso, la calidad de las que sí están es muy notable: pluralidad de orígenes, estilos y géneros para componer un top que muestra una clara debilidad por un cine dramático, minoritario, y poco comercial, pero que merece la pena reivindicar:

10. The Tribe, de Miroslav Slaboshpitsky Ucrania)
9 de cada 10 comentarios que se han escrito sobre The Tribe hacen referencia al mismo hecho: es la primera película rodada enteramente en lenguaje de signos, sin añadir ni doblaje ni subtítulos de ningún tipo. Arriesgada propuesta para un debutante en la dirección de largometrajes, que sin embargo ha dejado sin aliento a media Europa (con premios en la Semana de la Crítica de Cannes y otros muchos festivales incluidos) y se ha metido en la selección final de lo mejor del año. La fuerza de esta cinta ucraniana es tal que tan solo necesita de imágenes para adentrarnos en la historia de un adolescente sordomudo que se ve involucrado en una red de delincuencia. Brutal y demoledora como pocas. Cine en estado puro.

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9. Fuerza mayor, de Ruben Östlund Suecia)
La propuesta del cineasta sueco Ruben Östlund es una de las más originales que han transitado por nuestras salas en este año. Tan difícil de definir como de analizar, Fuerza mayor es una rara avis en lo que a mezcla de géneros se refiere. Oscila entre la comedia más salvaje y el drama existencial más puro, con un resultado apabullante. De algún modo que no alcanzo a comprender, el film contiene al mismo tiempo la querencia por el diálogo y el análisis emocional del mejor cine escandinavo, y un humor negrísimo que prolifera en los momentos más inesperados. Salvando alguna digresión narrativa que ralentiza su desarrollo, el pulso del director es firme y permite disfrutar de la totalidad de la obra sin echar mano del reloj.

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8. Viaje a Sils Maria, de Olivier Assayas Francia)
El último largometraje del cineasta francés Olivier Assayas, presentado en el Festival de Cannes del pasado año, supone la consagración de Kristen Stewart como actriz solvente, y es una de las obras de la temporada. La cinta trata acerca del miedo al fracaso de una actriz, de sus deseos de trascender y de su forma de gestionar la fama. ¿Tema novedoso? No, y menos en los últimos tiempos, con el éxito de Birdman resonando todavía en nuestras cabezas. Sin embargo, el punto de vista elegido por Assayas no tiene nada que ver con otros casos: frente a lo excesivo, frenético y satírico de otras propuestas, el director francés opta por el sosiego y la delicadeza para construir su historia. La suya no es una apuesta por la excentricidad y el virtuosismo, sino por cocinar a fuego lento los conflictos de sus personajes y dejar que sean ellos (ellas, más bien) las que expongan, dialoguen y den forma a la película.

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7. Maps to the Stars, de David Cronenberg (  Canadá)
La vanidad y las miserias de seres humanos obsesionados por la fama y la popularidad son el tema elegido esta vez por Cronenberg para imprimir en él su sello personal. El guión es muy potente, el cast en su conjunto está a un altísimo nivel, y la historia funciona como una certera sátira del mundo hollywoodiense. Siendo todo esto verdad, no es suficiente para describir la grandeza de un film así. Resulta difícil encontrar calificativos para analizar la esencia del director canadiense. Su estilo visual tiene algún tipo de fuerza oculta, hipnótica, que dota a esta y a otras de sus películas de un universo propio y personal, de un halo de misterio que las recorre. Divertida e inquietante a partes iguales, estamos ante una vorágine de egos y pulsiones que impactarán profundamente (para bien o para mal) en el espectador.

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6. Aguas tranquilas, de Naomi Kawase Japón)
Aguas tranquilas es un relato atemporal de la adolescencia entendida como descubrimiento de las distintas facetas de la vida. La familia, la amistad, el amor y la muerte (ahí es nada) se dan cita en una misma obra, intimista y envolvente, que es capaz de conjugar la universalidad del tema con un tratamiento absolutamente personal del mismo por parte de la directora. Se vale para ello de un estilo muy personal, con un ritmo pausado y un lirismo tal que el acto de ver la película se convierte más que nunca en una verdadera experiencia sensorial. Kawase rebosa sensibilidad a la hora de conectar las experiencias humanas con los elementos de la naturaleza, y a través de este vínculo nos sumerge en las profundidades del alma de sus personajes. Nos entrega, una vez más, un extraordinario film que la reafirma como una de las grandes cineastas orientales en la actualidad.

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5. Un día perfecto para volar, de Marc Recha España)
Un padre, un hijo y una cometa. Estos tres elementos le son suficientes a Marc Recha para construir, con Un día perfecto para volar, 70 minutos del mejor cine español que se ha visto este año. La cinta supone, a pesar de su simplicidad, una enternecedora reflexión acerca de la paternidad, la inocencia y las fantasías de infancia que emociona gracias a la sensibilidad que derrocha el cineasta y la espontaneidad de sus actores. En el cine, como en la vida, a veces menos es más, y la obra del director catalán es un ejemplo de cómo la sencillez, la sutileza y la verdad de una propuesta pueden derrotar a grandes presupuestos y complejos proyectos. Una joya oculta que merece la pena descubrir.

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4. Leviathan, de Andrey Zvyagintsev Rusia)
Cuarta posición para esta durísima película rusa que compitió en el Festival de Cannes y estuvo nominada en la pasada edición de los Óscar como mejor film de habla no inglesa. La fuerza de su devastador relato sobre la corrupción moral y política de la Rusia actual le vale un lugar en este ranking a pesar de su temprano estreno: el 1 de enero de 2015. Casi un año después, el poderío de sus imágenes sigue clavado en la retina. Y es que su impacto demoledor es difícil de olvidar. Andrei Zvyagintsev, pese a su nombre impronunciable, se ha confirmado como uno de los referentes del mejor cine europeo contemporáneo. Realismo sin concesiones de primerísima calidad.

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3. Langosta, de Yorgos Lanthimos Grecia)
Pese a su corta filmografía, Yorgos Lanthimos se ha afianzado como uno de los cineastas más peculiares, talentosos y desbordantes del cine europeo reciente. Capaz de crear películas únicas en su especie, el director griego acude en Langosta a la fórmula que tan bien le funcionó en Canino (2009) y Alps (2011). Lanthimos cuenta historias a primera vista inverosímiles, pobladas por personajes apáticos y carentes de humanidad, que hablan poco y apenas gesticulan. El milagro está en su capacidad para hacer funcionar estos universos de forma autónoma, conseguir que todas las piezas encajen y acabar abordando y transmitiendo emociones de lo más humanas: en este caso, la soledad, el amor y la vida en pareja. Langosta es quizás su film más ambicioso y redondo, en el que cada decisión narrativa y punto de vista propuesto parece salido de la mente de un genio. Tan indescriptible como recomendable, es una cinta a la merece la pena enfrentarse sin condicionamientos previos. Así que lo mejor que puedo decir de ella es, simplemente: por favor, tenéis que verla.

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2. El año más violento, de J.C. Chandor (  Estados Unidos)
El director americano J. C. Chandor ha demostrado este 2015 que tiene credenciales de sobra para estar entre los grandes nombres del cine americano reciente. El potencial visual que venía demostrando desde su debut encuentra aquí un aliado que quizás le faltaba en sus anteriores trabajos: un poderoso material narrativo, que más allá de la simple peripecia, entraña con brillantez y complejidad la cuestión de la decencia, uno de los grandes dilemas del hombre contemporáneo. Grandeza visual, complejidad temática y dos actores en estado de gracia (además de una atmósfera absorbente y una fotografía apabullante). El año más violento es un thriller neo-noir que explota todas las posibilidades a su alcance. Fría, impactante, sutil, hipnótica y bien construida: motivos más que suficientes para ocupar este segundo puesto del ranking.

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1. Paulina, de Santiago Mitre Argentina)
Con dos premios en el Festival de Cannes (Semana de la Crítica, FIPRESCI), y tres en San Sebastián (Premio de la Juventud, Premio TVE Otra Mirada y Premio Horizontes Latinos), el largometraje argentino Paulina ha sido uno de los grandes triunfadores de la temporada de festivales. ¿A qué se deben los premios recibidos? Entre otras muchas virtudes, a la inteligencia, la honestidad y el talento con los que el cineasta Santiago Mitre construye la apasionante historia de una mujer que lucha por tomar sus propias decisiones. El director argentino articula su narración en torno a un gran interrogante (que no vamos a desvelar), y a partir de ahí involucra al espectador para que participe de forma activa en el relato. Incómoda, fascinante e inagotable, la cinta consigue derrumbar los asideros morales del público y propiciar que surjan cuestionamientos y reflexiones de profundo interés. Cine incómodo y controvertido, polémico y arriesgado, doloroso y valiente. Cine en mayúsculas. La mejor película del año.

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